3 & 4 juillet @ CRANE lab linktr.ee/cranelab
https://soundcloud.com/isabelle-de-mullenheim
Re-naturaliser l’écoute : quelle représentation du son ?
Que nous reste-t-il de notre écoute naturelle, instinctive quand dans une civilisation de l’image, le son est oublié, bien qu’omniprésent. Quelle représentation du sonore pour générer cette écoute ?
On évite le bruit, le tintamarre, celui de la ville ou de l’activité humaine. Dans la majorité des cas, on espère le silence, celui de la nature, le repos du presque rien ou bien, on se retire du monde pour rythmer sa journée avec de la musique, celle qui accompagne sans gêner, sans demander de réflexion, devenue nomade, elle se déplace avec nous. L’écoute sauvage, celle qui nous surprend ou s’attache à un évènement soudain, n’est pas au cœur de la pratique quotidienne de la plupart des gens.
La musique concrète s’est attachée à l’objet sonore, très circonscrit, rapporté dans toute sa matérialité pour se transformer et exister dans une représentation plus abstraite. Elle est faite de rythme, d’intensité, de durée et représentée frontalement par les haut-parleurs. Elle nous a délivré de la partition, elle a dit autre chose de la représentation du sonore, du musical. Dans son prolongement, la musique acousmatique nous donne à entendre à travers des haut-parleurs, un peu plus dispersé dans l’espace, car la recherche sur l’espace de représentation devient un élément de composition. Malgré tout, la place du public est toujours face au spectacle.
Ce qui me semble important aujourd’hui, c’est de tenir compte d’une réalité sonore et non de faire un exposé mis en scène. Sans omettre l’importance du sujet, c’est la manière de transmettre une composition qui rend le naturel à l’écoute. Composer c’est exprimer une idée, une vision, donner à entendre une appréhension du monde. Au-delà de la phrase linéaire d’une pièce musicale, de sa durée, ce qui se pose comme élément de composition est l’entrelacement des univers. Il s’agit de creuser l’espace virtuel, d’envisager la superposition des évènements, des lieux, des perspectives.
La diffusion en multicanal et plus encore la volumétrie, met en exergue l’hétérotopie, à savoir, disperser l’écoute afin de s’y inclure, admettre ces lieux abstraits, disparaître au profit de ce qu’on écoute, être projeté dans le sonore. Comme Calder quand il nomme certaines sculptures « Stabile », nous est offert la possibilité d’entendre une œuvre dans une mobilité immobile.
La diffusion actuelle permet de provoquer l’errance de l’oreille à travers un environnement non sûr, que l’on ne peut anticiper. Le corps est parcouru, traversé, il reçoit des vibrations. Cette diffusion est également une source d’interprétations. Il n’y a plus de spectateur au sens strict, le public devient actif, en attente car en immersion dans un univers non linéaire, non exposé frontalement.
La re-naturalisation de l’écoute passe par la mise en mouvement virtuelle ou non. Il me semble qu’il est nécessaire, par l’utilisation de la multiplicité des points de diffusion, de redonner la possibilité d’une écoute instinctive, faite d’alertes, une écoute qui exige une attention accrue. Il est important, à mon sens de retrouver un corps actif, vibrant.
Chaque paramètre travaillé au sein d’un dispositif de diffusion converge vers un objectif : la sensation.
On peut dire que le naturel d’une écoute est propre à chacun mais vécu dans le temps d’un concert, comme un évènement commun. À partir de points de diffusion qui éclatent l’écoute, on peut retrouver l’oreille sauvage, vivre le sonore dans toute son entièreté, avec l’étonnement qu’il génère. La poétique du sonore existe alors dans la force d’un soulèvement intérieur, au sens de Georges Didi-Hubermann, c’est-à-dire l’élan qu’entraine l’émotion.
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CRANE lab Research Center Heterotopia, Acousmatic Music, Volumiphony, Action Art & Ethics of Arts